EL ARTE MEXICANO A INICIOS DEL SIGLO XVII

 

El arte a inicios del siglo XVII

1730 – 1781

GENERALIDADES

El esplendor del barroco de Juan Correa y Cristóbal de Villalpando estaba aunado al auge socioeconómico de la Nueva España. Hacia 1720, México había desarrollado una economía mercantilista que propició una vasta construcción de edificios religiosos. La Iglesia poseía una base económica poderosa para encargar obras de gran formato, lo que causó que el barroco tardío fuera un estilo representativo de la idiosincrasia mexicana. Sin embargo, el clímax barroco termina con estos artistas, al avecinarse un periodo de transición pictórica representado por los hermanos Nicolás y Juan Rodríguez Juárez.

Árbol del Bien y del Mal,

Cristóbal de Villalpando

El apogeo mercantilista en el siglo XVIII generó muchas peticiones de cuadros por parte de la Iglesia, lo que ocasionó obras mediocres. Hubo falta de gusto y criterio artístico en los ilustrados, el clero y los clientes. La urgencia por poseer y decorar las nuevas construcciones ocasionó una pintura sin estudios previos a la creación. Hubo, sin embargi, algunas de gran mística y fervor religioso, así como de índole social.

Santa Rosalía,

Nicolás Rodríguez Juárez

La pintura de los Rodríguez Juárez ha sido identificada como "barroco tardío internacional", que es la combinación de los estilos barroco y clásico. Los Juárez y José de Ibarra, alumno de Juan, entran en esta clasificación. La nueva pintura novohispana se caracteriza por movimientos controlados, inocencia, uso de pigmentos locales, distorsiones en la fisonomía, rastros ocasionales de manierismo y un idealismo dulce pero penetrante en lo psicológico, así como el uso del "azul de Prusia", pigmento artificial inventado en Berlín hacia 1704-1707.

Retablo de San Isidro,

Antonio de Torres

Los artistas: Nicolás Rodríguez Juárez

Nació en la Ciudad de México, en 1667. Su primera obra es de 1690, El Profeta Elías. En 1704, recibió el título de bachiller de teología y después entró al sacerdocio, aunque se ordenó hasta la muerte de su esposa en 1713. Uno de sus cuadros relevantes es la Transfiguración, en el que la figura de Cristo es singular: completamente blanca y hasta transparente. Parece que se basó en el texto de Mateo: "y se transfiguró entre ellos; brilló su rostro como el sol y sus vestidos se volvieron blancos como la luz". Además, los paños en sutil movimiento y el rostro de Cristo manifiestan la gran devoción del artista.

Transfiguración,

Nicolás Rodríguez Juárez

Los artistas: Juan Rodríguez Juárez

Nació en la Ciudad de México, en 1675. Su obra expresa aún más el paso del tenebrismo del XVII al barroco tardío. En sus obras se observa la continuidad de la escuela iniciada por su abuelo, por la precisión del dibujo, el manejo del claroscuro, la solidez de las figuras y la factura de las telas. Después, cambia hacia un puente entre el barroco y el "murillismo" de Ibarra y Cabrera. En el cuadro La Coronación de la Virgen, se observan los tonos azules en el manto de la Virgen, que la centra como figura principal. Los tonos rojos y ocres de Cristo y el Padre contrastan con los azules y concretan un equilibrio cromático que enmarcan a la Virgen.

Coronación de la Virgen,

Juan Rodríguez Juárez

Los artistas: José de Ibarra

Nació en Guadalajara, en 1685. Su obra tiene un estilo inmerso en el barroco tardío, ya que fue discípulo de Juan Rodríguez Juárez. En la pintura de Ibarra prevalece el vigor barroco de las pinceladas sueltas y dinámicas. Entre sus obras destacan las pinturas de los muros exteriores del coro de la Catedral de Puebla, realizados en 1732. Además de pintar retratos y autorretratos, pintó el cuadro El regreso de Egipto con afinidades flamencas al representar el paisaje del fondo.

Regreso de Egipto,

José de Ibarra

Los artistas: Miguel Cabrera

Nació en Oaxaca, en 1695. Al parecer se formó en el taller de José de Ibarra y tal vez sea el pintor más conocido de la época colonial. Sus obras suman casi trescientas y ganó tal reconocimiento que llegó a ser pintor de cámara del arzobispado de México. Una de sus obras guadalupanas llegó al Papa Benedicto XIV y, por tal reconocimiento, fue el pintor guadalupano más renombrado. Formó un taller en el que se realizaron las obras encargadas por su vasta clientela conformada por religiosos y particulares. También destacó por sus retratos, que expresan la individualidad de los personajes, y por sus lienzos costumbristas, como los de la Pintura de Castas.

La Virgen de Guadalupe,

Miguel Cabrera

A través de la influencia de su maestro Ibarra, su pintura era afín a Murillo en cuanto a la intención de querer superar el religiosismo inquisitorial del siglo XVII. En términos pictóricos se distinguió por popularizar una idealización de la vida en el mundo terrenal y en el otro, mediante una armonía entre los artistas y los estamentos eclesiásticos. Así, Cabrera expresa este sentido de idealización materializado en figuras de gran belleza dentro de los preceptos ideológicos de la devoción de Santos y Vírgenes.

La Virgen y el Niño,

Miguel Cabrera

Los temas: la pintura de ánimas

El tema de la muerte tenía gran tradición en Europa por sus orígenes medievales. A partir de la Contrarreforma surge la pintura de ánimas para promover la existencia del Purgatorio. En ésta, se representan individuos de medio cuerpo y flamas ondeantes, que imploran el perdón de sus pecados por intervención de un santo. El purgatorio aparece en ciertos lienzos donde se distinguen los santos patronos de las almas arrepentidas: San Gregorio el Grande, San Nicolás Tolentino y San Miguel Arcángel. También pueden ser personajes de índole social o gubernamental.

Alegoría de la Preciosa Sangre de Cristo,

Miguel Cabrera

Los temas: la muerte

Aunque son pocas las expresiones artísticas sobre la muerte, hay importantes obras coloniales. Existe un interesante políptico popular y anónimo, que consta de seis hojas con diversas escenas que aluden a la muerte de un personaje. En la escena del destino y el origen del hombre, aparece un grabado referido a las tres Parcas, en este caso esqueléticas: Láquesis, que señala la hora con la hoz; Átropos, que toca la campana, y Cloto, que apaga la vela como símbolo de la vida.

Frontispicio y segunda hoja

de Políptico de la Muerte, Anónimo

Los temas: pintura de castas

Es uno de los temas más conocidos del arte colonial mexicano y es un subgénero originado en la Nueva España. Las pinturas muestran una pareja y su hijo en diversas actitudes, ámbitos sociales, vestidos y comportamientos. La pareja se deriva de las tres razas más importantes de la Nueva España: la blanca, la indígena y la negra. El español es la figura que más aparece en estos cuadros, y que se une a la negra o a la india para formar un mulato o un mestizo. Es común que se incluya una naturaleza muerta, a veces con letras indicadoras de cada verdura o fruta.

Pintura de castas,

Miguel Cabrera

Los temas: pintura popular

La pintura popular se presenta en diversas técnicas. Tal vez, la más famosa es la pintura de exvotos que hay en colecciones particulares, iglesias e incluso en tianguis de antigüedades. Los exvotos se complementan con una narración textual de los hechos, lo que la hace anecdótica e interesante. Asimismo, abarcó los temas oficiales de los pintores: Vírgenes, pasajes de la vida de Cristo y los Ecce-Homo. Otra línea, poco estudiada , es la pintura de rituales.

Cristo de Santa Teresa, Anónimo

Ecce-Homo, Anónimo

Los temas: el retrato

El retrato está presente desde los inicios del arte colonial y representaba a obispos, miembros de la Inquisición y religiosos de alto rango. Hacia el siglo XVIII hubo cambios en la forma de retratar y en los temas, ya que se incorporó a los comerciantes y los mineros. Las características formales son tres cuartos de perfil, de busto o de cuerpo entero. Los personajes portan un objeto en una mano mientras la otra se apoya en algún mueble. Están rodeados de objetos o insignias que indican su posición social y riquezas. La cortina del fondo es de uso generalizado, de acuerdo con la moda europea. Finalmente, se pintaba una cartela con la información del personaje.

Diego Vargas Calderón

Había también retratos de familias enteras, así como de mujeres, niños y monjas. A las familias se les pintaba junto a una advocación religiosa. El retrato de mujeres era sobre todo de damas de la aristocracia, así como de algunas mujeres indígenas vinculadas a caciques, y se les representaba con sus mejores galas, enjoyadas y embellecidas. Algunas portaban finos accesorios como perlas, collares y relojes, sin que faltase la elegante y talqueada peluca. Los niños eran representados como pequeños adultos, y algunos se retrataban muertos, con las vestiduras muy detalladas más que sus características físicas.

Ana María de la Campa Cos,

Condesa de San Mateo de Valparaíso

y Marquesa del Jaral de Berro,

Andrés de Islas

Doña María de la Luz Padilla

y Cervantes, Miguel Cabrera

 

LA PAREIDOLIA

 

 

La pareidolia es un fenómeno psicológico que ocurre cuando un estímulo vago y aleatorio —habitualmente una imagen— es percibido erróneamente como una forma reconocible; por ejemplo, ver caras y formas específicas en la silueta de las nubes.

Se trata de imaginar más allá de lo que realmente estamos percibiendo; una especie de ilusión en la que nuestro inconsciente hace hallazgos inusitados.Como en todo, hay quienes tienen esta habilidad más desarrollada y a flor de piel; por ello pueden encontrar referencias en el humo y leer los resabios del café, los tatuajes o las líneas de la mano, así como relacionar un cuento con la detención del tiempo.

Y son ellos quienes pueden leer mejor los gazapos, las erratas y la escritura alfanumérica —como 357E C4571LL0 («este castillo»)—, o los rasgos tipográficos más inusitados.La pareidolia también nos permite entender a los niños mariposa y al hombre de goma, o interpretar aquel telegrama en el que Dirichlet sólo le escribió a su suegro: «2 + 1 = 3»; o disfrutar a Cortázar con términos como clémiso, hidromurias, sústalose incopelusas y, más aún, reconocer las palabras panvocálicas como murciélago.

Y es una especie de pareidolia, también, la que nos permite encontrar referencias a frases de Javier Marías en nuestra vida diaria, entender cuándo podemos usar debe y cuándo debe de, y dar con una arruga nueva cuando nos vemos al espejo; o, incluso, ver la cara del objeto de nuestro afecto en otro, o en otros, o en todos, porque, como dice Groucho Marx: «¿Que por qué estaba con esa mujer? Porque me recuerda a ti; de hecho, me recuerda a ti más que tú».

UNA DELICIA MEXICANA, EL MOLE

 

El mole es uno de los platillos más representativos de México  y fue creado para  disfrutarse en grandes celebraciones.

El origen del mole se ubica en las grandes cocinas de los conventos poblanos de la Colonia.

En dichos conventos fue donde se fortaleció y perfeccionó el arte culinario mexicano, pues se agasajaba frecuentemente a las grandes personalidades civiles y religiosas del Virreinato. Cuenta la leyenda, que en una ocasión Juan de Palafox, Virrey de la Nueva España y arzobispo de Puebla, visitó su diócesis, un convento poblano le ofreció un banquete, para el cual los cocineros de la comunidad religiosa se esmeraron especialmente.

El cocinero principal era fray Pascual, que ese día corría por toda la cocina dando ordenes ante la inminencia de la importante visita.

Se dice que fray Pascual estaba particularmente nervioso y que comenzó a reprender a sus ayudantes, en vista del desorden que imperaba en la cocina.

El mismo fray Pascual comenzó a amontonar en una charola todos los ingredientes para guardarlos en la despensa y era tal su prisa que fue a tropezar exactamente frente a la cazuela donde unos suculentos guajolotes (es como se le llama al pavo en México)  estaban ya casi en su punto.

Allí fueron a parar los chiles, trozos de chocolate y las más variadas especias echando a perder la comida que debía ofrecerse al Virrey.

Fue tanta la angustia de fray Pascual que éste comenzó a orar con toda su fe, justamente cuando le avisaban que los comensales estaban sentados a la mesa.

Un rato más tarde, él mismo no pudo creer cuando todo el mundo elogió el accidentado platillo.

Esta leyenda tuvo tanta acogida popular que incluso hoy, en los pequeños pueblos, las amas de casa apuradas invocan la ayuda del fraile con el siguiente verso: "San Pascual Bailón, atiza mi fogón".

No obstante, lo seguro es que el mole no es producto de una casualidad, sino el resultado de un lento proceso culinario iniciado desde la época prehispánica y perfeccionado, sí, en la Colonia, cuando la Cocina Mexicana se enriqueció con elementos asiáticos y europeos.

 

RECETA DEL PAN DE MUERTO.

 

RECETA DEL PAN DE MUERTO.

Uno de los propósitos del día de muertos es la convivencia con la familia y la preparación de alimentos especiales para los fieles difuntos. Anímate a preparar un delicioso Pan de Muerto. Aquí te presentamos su receta.

 

 

 

Esta tradición vigente desde los antiguos pobladores mexicanos está cargada de muchos simbolismos que incluso los historiadores no han llegado a establecer, debido a que existen diferentes teorías sobre los elementos que componen este delicioso y especial pan; desde los huesos hechos de masa que se dice simbolizan los del difunto a quien se recuerda, o que representan los 4 puntos cardinales, hasta la creencia en algunos lugares de que sus ingredientes tienen gran importancia por su asociación con los elementos de la tierra y la vida.

Este bocadillo le ha generado más por investigar a los historiadores debido a la variedad de panes que hay en otras regiones de México donde se elaboran en forma de animales o inclusive les agregan azúcar roja para asemejar la sangre. No obstante, te presentamos la receta del pan tradicional para que no falte en tu mesa y en tu ofrenda en estas fiestas de muertos.

Receta de: Ángel Arturo Ramírez García, La Concepción, Veracruz

Ingredientes:

1 kilo de harina
30  gramos de levadura instantánea
10  gramos de Maximix 40 (acelerador que se encuentra en las tiendas donde venden ingredientes para panaderías.) optativo,
300  gramos de azúcar
5  gramos de sal
8 huevos
100  gramos de mantequilla
80  gramos de manteca vegetal
200 mililitros de agua (1 taza)

Preparación:

Mezcle la harina con la levadura, el maximix 40. Forme una fuente y en el centro ponga la sal, el azúcar, la mantequilla y la sal. Añada los huevos poco a poco, mezclando bien. Agregue poco a poco el agua y amase de 30 a 40 minutos o 15 minutos en la batidora con el gancho especial.

Deje reposar hasta que doble su tamaño. Forme los panes, decorándolos con huesitos hechos de la misma masa o unos monitos que parezcan muertitos. Unos se embarran con una mezcla de huevo y agua y se espolvorean con ajonjolí, los otros se espolvorean con azúcar. Deje a que doblen su tamaño y meta en horno precalentado a 180º C, durante 25 minutos o hasta que estén cocidos. Esto se sabe cuando al pegarles por la parte de abajo, suena hueco.

 

*Obesidad Mental*

 



 

 

 

 

MENTAL OBESITY: OBESIDAD MENTAL

El profesor Andrew Oitke publicó su polémico libro «Mental Obesity»,que revolucionó los campos de la educación, periodismo y relaciones sociales en general.

En esa obra, el catedrático de Antropología en Harvard introdujo el concepto del epígrafe para describir lo que consideraba el peor problema de la sociedad moderna.

«Hace apenas algunas décadas, la Humanidad tomó conciencia de los peligros del exceso de gordura física por una alimentación sin reglas.

Estamos ahora en el momento de notar que nuestros abusos en el campo de la información y conocimiento están creando problemas tanto o más serios que esos.»

Según el autor, «nuestra sociedad está más abarrotada de preconceptos que de proteínas, más intoxicada de lugares comunes que de hidratos de carbono. La gente se vició de estereotipos, juicios apresurados, pensamientos tacaños, condenas precipitadas.

Uno de los capítulos más polémicos y contundentes de la obra, titulado "Los Buitres", afirma:

Todos opinan sobre todo, pero no saben nada. Los cocineros de esta magna "fast food" intelectual son los periodistas y comentaristas, los editores de la información y los filósofos, los argumentistas y realizadores de cine.

Los noticieros y telenovelas son las hamburgers del espíritu, las revistas y novelas son los donuts de la imaginación.»

El problema central está en la família y en la escuela.

Cualquier padre responsable sabe que sus hijos se enfermarían si comieran solamente dulces y chocolate

No se entiende, entonces, cómo es que tantos educadores aceptan que la dieta mental de los niños esté compuesta por dibujos animados, videojuegos y telenovelas.

Con una «alimentación intelectual» tan cargada de adrenalina, romance, violencia y emoción...es normal que esos jóvenes nunca consigan después una vida saludable y equilibrada.»

«El periodista se alimenta hoy casi exclusivamente de cadáveres de reputaciones, de detritos, de escándalos, de los restos mortales de las realizaciones humanas.

La prensa dejó hace mucho de informar, para solo seducir, agredir y manipular.»

El texto describe cómo los reporteros se desinteresan de la realidad, para centrarse solamente en el lado polémico y chocante.

«Sólo la parte muerta y podrida de la realidad es la que llega a los periódicos.» -Mi acotación...muchos que solo viven de DDHH y lejanas muertes

Otros casos referidos crearon una conmoción que perdura

«El conocimiento de las personas aumentó, pero lleno de banalidades.

Todos saben que Kennedy fue asesinado, pero no saben quién fue Kennedy

Todos dicen que la Capilla Sixtina tiene techo, pero nadie siquiera sospecha para qué sirve.

Todos creen que Saddam es malo y Mandela es bueno, pero ni desconfían por qué.

Todos conocen que Pitágoras tiene un teorema, pero ignoran qué es un cateto».

Las conclusiones del tratado, ya clásico, son arrasadoras.

«No sorprende que, en medio de la prosperidad y abundancia,

las grandes realizaciones del espíritu humano estén en decadencia.

La família es discutida, la tradición olvidada, la religión abandonada,

la cultura se banalizó, el folklore entró en caída libre, el arte es fútil...paradojal o enfermo.

Florece la pornografia, el charlatanismo, la imitación, la insipidez, el egoísmo.

No se trata de una decadencia, una «edad de las tinieblas» o el fin de la civilización, como tantos pregonan.

Es solo una cuestión de obesidad. El hombre moderno está adiposo en el raciocínio, gustos y sentimientos.

El mundo no precisa de reformas, desarrollo, progresos. Precisa sobre todo de una dieta mental!!

PON TU OFRENDA DE MUERTOS

 

 

La tradicional ofrenda de muertos tiene sus orígenes en los antiguos altares precolombinos, los cuales dedicaban a sus deidades y cuya temporalidad variaba de acuerdo a las fechas en las que se les festejaba.

De acuerdo al calendario prehispánico, cada dios patrocinaba un espacio de tiempo determinado. Así, las ofrendas pertenecientes al Mictlantecuchtli, señor de los muertos, coincidían con elmes de noviembre en el calendario gregoriano. Los españoles, en su misión por institucionalizar el cristianismo en tierras mesoamericanas, decidieron empatar ambas visiones, engendrando un sincretismo muy complejo, que dio vida a algunas fiestas como las del Día de Muertos. La concepción de los antiguos mexicanos sobre las almas que nunca se van del todo y que conviven con los vivos, se emparejó con una concepción muy similar a la de los europeos, la cual heredaron los egipcios y los chinos. Es por esta mezcla cultural que hoy no se puede imaginar la cruz cristiana en una ofrenda sin la foto del difunto y unas flores de CEMPASUCHITL.

Según la tradición, el altar comienza a montarse desde el 30 o 31 de octubre y permanece hasta el 2 o 3 de noviembre (dependiendo la región de México). Se dice que el 31 de octubre llegan las almas de los niños y se van al medio día del 1 de noviembre, justo cuando llegan las de los adultos para disfrutar de los ofrecimientos levantados en su memoria y retirarse al siguiente día.
Te presentamos los elementos que debes tomar en cuenta para instalar tu propia ofrenda y dedicársela a aquellos difuntos que tanto quieres.

NIVELES

En muchos lugares de México se acostumbra levantar ofrendas de siete, tres o dos niveles, cada uno con un significado diferente. Se dice que éstos dependen del número de ofrendas que se le han dedicado al occiso. Otras versiones afirman que cada nivel simboliza algo distinto; por ejemplo, el primero (en algunos casos un primer escalón y en otros el piso) lleva elementos referentes a la tierra como frutos o un petate, mientras que en el último se coloca el retrato del difunto para simbolizar el lugar donde se encuentra: el cielo. Los niveles se pueden realizar con cajas resistentes, mesas, tablas, entre otros materiales.

ELEMENTOS QUE NO PUEDEN FALTAR EN TU OFRENDA

Flor de cempasúchil: o "flor de los mil pétalos" es probablemente el principal elemento. Su lugar en los altares se debe a su florecimiento después de la temporada de lluvias. Sus pétalos son utilizados para trazar caminos que dirigen a las almas de la entrada del hogar a la ofrenda, además de colocarse en floreros y arcos.

 

Arcos: representa la puerta que da la bienvenida a los fieles difuntos. Por la ubicación actual de las ofrendas dentro de los hogares, hoy en día es raro ver una con un gran arco elaborado de flor de cempasúchil. En diversas regiones del país los elaboran con carrizos de bambú atados con lazos.

Calaveritas de azúcar: aunque en un inicio eran de amaranto (pues el azúcar no existía como tal entre los mesoamericanos), estas figurillas dulces evolucionaron como una representación de los difuntos a quienes se dedica la ofrenda, es por esto que se les agrega su nombre en la frente.

Pan de muerto: otro de los elementos infaltables en las ofrendas. 

Papel picado: Se dice que representa al aire, uno de los cuatro elementos presentes en la ofrenda.

Agua: se colocan vasos con agua para la sed de las almas viajeras y como representación de uno de los cuatro elementos.

Retrato del difunto: su nombre lo dice todo. Generalmente se coloca en el nivel superior de la ofrenda.

Incienso o copal: otra representación del aire y guía olfativa para los fieles difuntos que nos visitan.

Color morado: si la ofrenda de muertos en sí ya es colorida, no debe faltar este color. tradicional del luto.

Veladoras: en representación del fuego, una por cada difunto para iluminar su camino a casa.

Platillos y bebidas preferidas del difunto: lo dice todo.

Dulces mexicanos: para las almas de los más pequeños.

Frutos: principalmente la caña es uno de los frutos presentes en las ofrendas ya que en varias regiones de México representa los huesos.

 

FW: ¡CURIOSO,

 


.  

"LAS COSAS SIMPLES DE LA VIDA, RESULTAN SER LAS MAS VALIOSAS, Y LAS MENOS CO$TO$A$". ¡Curioso, pero no había caído en ello! ¿Qué pasaría si en las elecciones del 2012 -para el Gobierno- al abrir las urnas aparecieran vacíos todos los sobres de los votos para el senado? La interpretación lógica sería que los mexicanos no queremos senadores, y por lo tanto desaparecería y nos ahorraríamos el innecesario Senado. ¿Te apuntas a la idea? ¡¡¡ Entonces difúndela!!! Mandemos la papeleta del Senado con una gran cruz que abarque toda la boleta, para que sea nulo. Y, así, se podrá ELIMINAR EL SENADO, ya que, si no sale ningún nombre elegido, no podrá nombrarse a ningún senador. TENLO EN CUENTA. NORUEGA, SUECIA, DINAMARCA, NO TIENEN SENADO, ALEMANIA SOLO 100 SENADORES. EE.UU. UN SENADOR POR CADA ESTADO. LOS GRANDES TEÓRICOS DEL DERECHO INTERNACIONAL Y CONSTITUCIONAL OPINAN QUE ES UNA CÁMARA INNECESARIA, PRESCINDIBLE Y QUE ESTÁ EN EXTINCIÓN, ¿ENTONCES POR QUÉ TENEMOS QUE MANTENER A TANTOS SENADORES EN MÉXICO? TENEMOS 128 INEPTOS SENADORES, QUE COMEN LO QUE EL 15 DE LA POBLACIÓN PUEDE COMER, QUE VIVEN COMO EL 1% DE LA POBLACIÓN PUEDE VIVIR, GANAN SIN TRABAJAR LO QUE DEBEN, NO TIENEN QUE RENDIR RESULTADOS NI CUENTAS A NADIE, BUENO, SÍ DEBEN RENDIRNOS CUENTAS, PERO TAMBIÉN ES CIERTO NUESTRA APATÍA EN GENERAL ES MÁS QUE EVIDENTE. Vivimos de PAN Y CIRCO. Casi Cuatro Senadores por Estado, absolutamente Absurdo, no olvidemos que Nosotros lo hemos permitido, Nosotros lo podemos cambiar. DE ESTA FORMA AHORRAREMOS $3,500 MILLONES DE PESOS CADA AÑO. SI ESTÁS DE ACUERDO, DIFÚNDELO

Si no llueve en una semana se procederá a la quema de curas y monjas…

 

 Si no llueve en una semana se procederá a la quema de curas y monjas…

Castañas - Chiapas

En el año 1883, ante la terrible sequía que padeció el pueblo de Castañas, en el estado de Chiapas (México), el alcalde tuvo la "brillante" idea de publicar este bando:

Considerando que el Supremo Hacedor no se ha portado bien con este pueblo una vez que en todo el año anterior tan solo ha caído un aguacero y que en este invierno no ha llovido y, por consecuencia, se ha perdido la cosecha de castañas de la que depende el pueblo, decreto lo siguiente:
1º.- Que si dentro de ocho días no lloviese abundantemente nadie irá a misa ni rezará.
2º.- Si la sequía durase ocho días más serán quemadas las capillas y destruidos los misales y rosarios del pueblo.
3º.- Si tampoco lloviese la semana siguiente ni la posterior se procederá a la quema de frailes y monjas, y al apaleamiento de beatas y santurrones. En cuanto al presente, se concede licencia para cometer todas clase de pecados y para que así el Supremo Hacedor sepa y entienda de una vez con quién va a tener que vérselas en lo sucesivo.

Supongo que los vecinos de Castañas tenía más sensatez que su alcalde ya que no se tuvo noticia, en las semanas posteriores, de la quema de iglesias o curas… o quizás cayó el ansiado aguacero.

No vaya a este museo si está dejando de beber

La existencia de un museo dedicado al anís puede parecer una concesión a la trivialidad, o incluso a la extravagancia, pero en términos estrictamente estadísticos es irreprochable. El número de españoles dados en mayor o menor medida al anisete ha sido, es y seguramente será muy superior a la cantidad de diletantes aficionados a las sutilezas de la pintura o la escultura, eso pocos lo podrán discutir. En cambio, frente a los centenares de pinacotecas y galerías que estos disfrutan, el anís ha sido injustamente olvidado. Esto parecerá una broma. Y se dirá que no es lo mismo un Miró o un Picasso que una botella de Gallito. Y es bien cierto. Pero cuidado. Porque con poco que conozcamos el paño descubriremos que el anís es mucho más que un copazo. Es un licor con arte, por así decirlo, no en vano gigantes de las letras le han dedicado frases elogiosas (estando, es de suponer, perfectamente sobrios). Algunos ejemplos. Valle Inclán: "Una copa de Rute es la bebida elegante". Alberti: "Rute es la patria del aguardiente puro". Y Cela: "El anís de Rute es una institución que merece la pena conservar". Si tanta glosa no es gratuita, el anís merece su museo. Y lo tiene. Está, por supuesto, en Rute, en la Subbética. La producción artesanal de anisados y aguardientes se inicia allí a mitad del siglo XVII. El pueblo llegó a tener cien destilerías. Quedan cinco: cosas de la concentración el pez grande se come al chico, en este caso se lo bebe, cierta caída de la demanda y la crisis. El Museo del Anís es responsabilidad de una de estas empresas que conservan la tradición anisera, Destilerías Duende, que lo abrió en 1994 en sus antiguas instalaciones, de 1908. Hay antiquísimos alambiques todavía en uso, leña de olivo para alimentar los fogones, medidas, embudos, garrafas, bandejas, sacacorchos, toda suerte de utillajes de siglos pasados... "Y el olor", cuenta Anselmo Córdoba, el gerente. "Eso es esencial, lo más bonito. Huele a anís". Si está dejando de beber, mejor no pise este museo, donde la tentación entra por varios sentidos a la vez. Un siglo de botellas Hay además una sala de maceraciones. Ahí destacan las tinajas vidriadas de barro en las que se maceraba todo tipo de licores: anís y brandy y ponche y licor de hierbabuena. Las vitrinas guardan infinidad de botellas que son un repaso por el siglo XX y lo que llevamos del XXI. Botellas de anís Bombita, Zurito, Gaona, Gallito. Las marcas suelen ser nombres de toreros o de políticos, de mujeres, de especies animales: La Española, La Ruteña, Lerroux... "Hay muchas evocaciones al ambiente nocturno español. Al toreo, a la política, al flamenco, a la mujer también", explica Córdoba. Ese es el campo semántico del museo. Es evidente cuáles eran (y en buena medida son) los temas de conversación preferidos del personal cuando se sienta a beber. La visita al museo es gratuita. Por un euro, el visitante puede realizar además una visita completa por las instalaciones de la destilería. Y sí, hay sala de degustaciones.

FW: Rv: CÓMO SE LLAMARÍA ENRIQUE PEÑA NIETO EN OTROS P AÍSES...

SIEMPRE ME SOBRA MUCHO MES,   AL  FINAL   DE   MI   PENSION   Cómo se llamaría Enrique Peña Nieto, si hubiera nacido en....?:   Alemania: Otto von Frauden Arabia Saudita: Elim Postor China: Chan Chu Yo Cuba: Silvio Panada Francia: Pierre D'Elvotto Grecia: Hurto Sinescroupoulos o Akylos Transo Holanda: T. Van Aestaffar India: Gandhi Sima Farsa Israel: Abraham Urnas Italia: Massimo Atraco Japon: Tekito Tuboto Libano: Mestafa Al-Botar Portugal: Santiago de Trampinha Rusia: Ivan A. Timar Uganda: Ami Mewele Alomimo Vietnam: Jo Dan Sen en China: Mipeino copete

EL MONUMENTO A LOS FONDOS PERDIDOS

Pues ahora han salido más irregularidades a la construcción. Pablo Escudero, presidente de la Comisión de la Función Pública, anunció que la licitación para hacer la obra se dio de manera ilícita. De acuerdo con el diputado, el gobierno federal le otorgó la concesión a la empresa Gutsa, la cual se encontraba en ese momento inhabilitada por malversación de recursos. Además, la compañía constructora presentaba un conflicto de intereses por parte del arquitecto Juan Alberto Bravo, coordinador de la edificación. Bravo era empleado de Gutsa cuando se otorgó la licencia en 2009. Sin embargo, Escudero exime de responsabilidades a Alonso Lujambio, secretario de Educación Pública. Recordemos que la SEP asumió las riendas de los festejos del Bicentenario a mediados de 2010, tras la mala administración de la Secretaría de Gobernación. Por esa razón, el legislador afirma que Lujambio fue víctima de un engaño por parte de Bravo, quien gestionó todo a su favor para embolsarse unos cuantos millones. Por ejemplo, ahora resulta que el acero y el cuarzo no son importados, sino que los proveedores son mexicanos… pero con los mismos precios. Al final, Estela de Luz se convertirá en uno de estos megaproyectos que sólo sirvieron para malgastar el dinero y enriquecer a unos cuantos ladrones. A mi me ha recordado a la Biblioteca Vasconcelos y su ya merito, otra de las obras magnánimas que terminaron por aventar millones de pesos por el retrete. Bienvenido otro monumento a la malversación de fondos, a la codicia extrema; otra lujosa espina clavada en el corazón del país.

¿Cómo cambia tu cerebro cuando lees o escribes?

Todos tenemos la intuición de que, al leer un libro, salimos un poco cambiados de la experiencia. Más sabios (o más resabiados), con mayor perspectiva, más empáticos, con mayor ojo crítico, más soñadores, con mayores ansias por conocer, más viajados, con más amigos, menos solos, en definitiva. Algo parecido sucede con la escritura, aunque de un modo ligeramente distinto. Pero tener la intuición, creer, sospechar, sentir… no es lo mismo que saber. Para saber si realmente la lectura o la escritura nos cambia, deberíamos detectar cambios físicos medibles en nosotros. Y como nosotros, el Yo, estamos contenidos en nuestros cerebros, habría que buscar esos cambios en los cerebros de los lectores.  Y la verdad es que las pruebas neurológicas al respecto son abrumadoras. Aunque, en apariencia, un lector tiene la misma pinta que un no lector, incluso que un analfabeto, se podría decir que un lector es, respecto a una persona que nunca ha aprendido a leer, una criatura perteneciente a otra especie. No sólo hay diferencias estructurales en el cerebro, sino que los cerebros lectores entienden de otra manera el lenguaje, procesan de manera diferente las señales visuales; incluso razonan y forman los recuerdos de otra manera, tal y como señala la psicóloga mexicana Feggy Ostrosky-Solís: Se ha demostrado que aprender a leer conforma poderosamente el sistema neuropsicológico del adulto. Los cerebros de los lectores incluso difieren entre sí según qué lecturas tengan por bagaje. Y no sólo estoy hablando de leer Dostoievsky o Pablo Coelho, sino que influye incluso el idioma en el que leemos. Los lectores de inglés, por ejemplo, elaboran más las áreas del cerebro asociadas con descifrar las formas visuales que los lectores en lengua italiana. Según se cree, la diferencia radica en el hecho de que las palabras inglesas presentan con más frecuencia una forma que no hace evidente la pronunciación. ¿No habéis visto en las películas que a menudo las personas deben deletrear su nombre para que la otra persona sepa cómo se escribe? Por el contrario, las palabras italianas, así como las españolas, suelen escribirse exactamente como se pronuncian. En su influyente estudio de 1982 Oralidad y escritura, Walter Ong mantiene una visión similar respecto a la escritura, y la lectura: Las culturas orales podían producir obras verbales de gran poder y belleza, con un alto valor artístico y humano, que ya ni siquiera son posibles, ahora que la escritura ha tomado posesión de la psique. Sin embargo, la alfabetización es indispensable para el desarrollo no sólo de la ciencia, sino también de la historia, la filosofía, la comprensión explicativa de la literatura y de cualquier arte, y de hecho, para la explicación del propio lenguaje (incluido el oral). La capacidad de escribir es absolutamente inestimable y de hecho esencial para la realización completa del potencial humano. Escribir eleva la conciencia. Pero ¿qué pasa exactamente, en tiempo real, en el cerebro de una persona que lee y entiende lo que lee, a diferencia de una persona que simplemente mira las imágenes en una pantalla o escucha las palabras de un cuentista? En 2009, la revista Psychological Science publicó un estudio al respecto, llevado a cabo en el Laboratorio de Cognición Dinámica de la Universidad de Washington, cuya principal investigadora fue Nicole Speer. Los lectores simulan mentalmente cada nueva situación que se encuentran en una narración. Los detalles de las acciones y sensaciones registrados en el texto se integran en el conocimiento personal de las experiencias pasadas. Las regiones del cerebro que se activan a menudo son similares a las que se activan cuando la gente realiza, imagina u observa actividades similares en el mundo real. Es decir, que el lector se hace libro. Las palabras del escritor obran como catalizador de la mente del lector. Y viceversa: el lector crítico y atento también estimula al escritor, sea éste conocido o no, tal y como rezaba Emerson: Todos los grandes hombres han escrito con orgullo, sin dar explicaciones. Sabían que un lector inteligente llegaría al fin y les daría las gracias. Por esa razón, también, los vocabularios de las culturas que aprendían a leer incrementaban sus recursos lingüísticos. Por ejemplo, el vocabulario inglés, limitado a unos pocos miles de palabras, se amplió hasta más de un millón con la proliferación de los libros. Leer y escribir, qué duda cabe, amplió y refinó la experiencia que las personas tenían de la vida y la naturaleza, tal y como señaló Eisenstein: El nombre virtuosismo desplegado por los nuevos artistas literarios en el truco de convertir gusto, tacto, olfato y sonido en meras palabras requiere una mayor conciencia y una mayor observación de la experiencia sensorial que a su vez se transmiten al lector.

Hallado un tesoro multimillonario oculto en un templo del sur d...

Parece un argumento de película pero no lo es: un tesoro con un valor estimado en miles de millones de dólares ha aparecido en las criptas selladas de un templo en el sur de la India, tras unas pesquisas ordenadas por el Tribunal Supremo, según reporta la agencia Efe. El tesoro se encontraba oculto en el interior del templo Shri Padmanabhaswamy, en la ciudad sureña india de Trivandrum, y ha aparecido durante un inventario todavía en marcha realizado por las autoridades locales a instancias de los tribunales. Fuentes del templo y del departamento de Arqueología de la región de Trivandrum dijeron a Efe no poder entrar en detalles sobre el contenido de las criptas analizadas, cerradas desde el siglo XIX, alegando que la inspección aún no ha concluido. Pero, pese al secretismo y falta de valoración oficial, varias fuentes cercanas al proceso ya han filtrado a medios de prensa indios que su valor podría rondar los 22.000 millones de dólares (15.000 millones de euros), lo que supone el 1,7% del actual Producto Interior Bruto (PIB) de la India. Construido en el siglo XVI, el templo de Padmanasbhaswamy rinde culto a un avatar del dios hindú Vishnú, y estuvo bajo control de los marajás del antiguo reino de Travancore hasta que este pasó a dominio indio, en 1947, con la independencia del subcontinente. La familia real de Travancore, apartada de las tareas de gobierno, logró seguir al frente del templo mediante un comité, pero en los últimos años los tribunales han entrado en liza para juzgar demandas sobre la incapacidad de ese consejo para mantener la seguridad. De hecho, el tesoro ha aparecido después de que el Supremo ordenara la formación de un equipo encargado de inventariar los bienes del templo, un grupo de siete personas que iniciaron su tarea el lunes pasado con el encargo de abrir dos de las seis criptas. En la primera de ellas, a unos cinco metros bajo tierra, los investigadores han hallado al menos una estatua de Vishnú de oro y esmeraldas de 1,20 metros, otras estatuas de oro de dos kilos, y coronas o collares de piedras preciosas, según medios locales. Debido al aislamiento de las criptas -cerradas durante más de un siglo-, el grupo tuvo que utilizar bombonas de oxígeno y linternas para desempeñar su tarea, que todavía no ha concluido, por lo que el valor final del tesoro encontrado puede todavía aumentar. Según distintos historiadores locales, la familia real solía dejar en el templo las ofrendas y regalos que realizaban los nobles que acudían en busca del perdón de la dinastía en el poder, en uno de los estados más avanzados de la India de su tiempo. El hallazgo del tesoro añadirá probablemente más polémica a la decisión que debe emitir el Supremo en torno al control del templo, después de que un abogado, T. Sundararajan, denunciara que el actual comité no tiene capacidad para proteger los activos del mismo. Tras ser absorbidos por la India independiente, los marajás perdieron gran parte de sus títulos y privilegios en el año 1971, aunque algunas casas, como la familia real de Travancore, lograron mantenerse en lo alto de la pirámide ya como simples ciudadanos. El actual jefe de la dinastía es el marajá Uthradan Thirunaal Marthanda Varma, quien generó una fuerte polémica al afirmar -antes de su presente inventariado- que los tesoros del templo pertenecían a su familia real, lo que dio pie a varias denuncias. "Las valoraciones que están apareciendo en la prensa son puras estimaciones. Esa riqueza es ilimitada. Su alteza ha hablado ante los tribunales para defender su postura y no podemos decir nada por el momento", dijo hoy a Efe un portavoz del palacio de Travancore. El caso está en la corte de apelación del Supremo, después de que la corte Superior de Kerala decretara el paso del control del templo a manos del Gobierno, tras declarar públicos sus bienes y negar que el liderazgo del comité tuviera un componente hereditarios. Pero el Gobierno no ha esperado más veredictos para tomar medidas, a la vista del probable valor del tesoro: "El despliegue es de 24 horas, a cargo de 120 agentes, y hemos instalado cámaras y alarmas", dijo a Efe el jefe de la Policía local, Manoj Abraham. "Se dice que el tesoro vale 22.000 millones de dólares (15.000 millones de euros), pero en realidad no tiene precio", añadió además, en referencia a los valores históricos de Padmanabhaswamy, un avatar de Vishnú que lo representa en un "sueño eterno", sobre las criptas secretas.